viernes, 29 de julio de 2011
Al Yussana: Los 4 muleros de Federico Garcia Lorca
LOS CUATRO MULEROS
Ay, de los cuatro muleros,
de los cuatro muleros,
de los cuatro muleros,
palmitas mías que van al agua,
que van al agua.
El de la mula torda,
el de la mula torda,
el de la mulilla torda,
mamita mía, me roba el alma,
me roba el alma.
Está lloviendo en el campo,
está lloviendo en el campo,
está lloviendo en el campo,
mamita mía mi amor se moja,
mi amor se moja.
Quien fuera un arbolito,
quien fuera un arbolito,
quien fuera un arbolito,
mamita mía que no de hojas,
que no de hojas.
A que buscas la lumbre,
a que buscas la lumbre,
a que buscas las lumbres
mamita mía, la calle arriba
la calle arriba,
Si de tu cara sale,
si de tu cara sale,
si de tu cara sale,
mamita mía , la brasa viva,
la brasa viva.
Ay, que te calles, que te calles…
Y a nadie quiero,
a nadie quiero,
mientras que viva mi compañero.
Ay , a mi burra no la toques…
… … …
De los cuatro muleros,
que van al campo,
el de la mula torda,
moreno y alto.
De los cuatro muleros,
que van al agua,
el de la mula torda,
me roba el alma.
De los cuatro muleros,
que van al río,
el de la mula torda,
es mi marío.
A qué buscas la lumbre
la calle arriba
si de tu cara sale
la brasa viva.
(Federico García Lorca)
De Rusia a España
.jpg)
Ana Häsler y Enrique Bernardo de Quirós, durante su actuación en la iglesia de San Juan de los Caballeros. / Kamarero
MÚSICA
De Rusia a España
Rafael Aznar - Segovia
Creo que es el concierto en que más música de verdad hemos escuchado hasta ahora dentro de la Semana de Música de Cámara. Estos dos grandes músicos nos dieron una lección de cómo confeccionar un programa equilibrado, interesante y donde demostrar las grandes dotes artísticas de ambos músicos, tanto individualmente como en conjunto.
Enrique Bernardo de Quirós es un pianista con una gran formación, un gran bagaje profesional y que demostró una altura pianística muy grande al encarar la sonata nº2 de Rachmaninov, una obra madura de un compositor que ha dado gran popularidad al teclado romántico en el siglo XX con su segundo concierto, una obra muy divulgada en el disco de los años centrales de la pasada centuria.
Es una obra virtuosística, rica en sonoridades, donde los desenfrenados martilleos de acordes presentan un dramatismo que se sustancia en un clima de serenidad, que a veces se alterna con el clima anterior, dando una atmósfera postromántica muy de su tiempo. El lirismo y el vigor compositivo son patentes y así lo supo trasmitir Enrique Bernardo de Quirós. Las canciones y danzas de la muerte de Mussorgsky abrieron el programa demostrando la perfecta dicción en ruso de Ana Häsler y la compleja atmósfera de la sensibilidad del romanticismo ruso de un compositor cuyo pianismo es tan elaborado como lo dejó demostrado en sus “Cuadros”.
En la segunda parte nos ofrecieron una rápida panorámica de la canción en el panorama hispánico del siglo XX. Se rindió homenaje a Federico García Lorca, en el 75 aniversario de su cruel fusilamiento en Granada, con tres de las canciones populares antiguas: los cuatro muleros, la nana de Sevilla y las tres hojas, mientras que se cantaron dos versiones del mismo texto lorquiano, la cancioncilla, con músicas de Montsalvatge y Bowles. Otra canción de Lorca, la famosa del jinete, se cantó con música de Ortega.
También se cantaron impecables las canciones de García Leóz, con texto de Federico, Por el aire, De Cádiz a Gibraltar y A la flor a la pitiflor con una maestría por parte de Ana Häsler, que parecía que sentíamos ese ambiente marinero de ida y vuelta entre Cádiz y La Habana con aires victorianos de principios del XX.
La interpretación de dos números de la siempre difícil y siempre tan atractiva Iberia de Albéniz nos hizo ver la clase de Bernardo de Quirós.
El final nos traía las cinco canciones negras de Xavier Montsalvatge. Una interpretación de antología, donde la dicción, la musicalidad y el ambiente caribeño de las canciones con letras de Alberti, Néstor Luján, Nicolás Guillén y Valdés nos trasladaron a otro mundo imaginario, sensual y tropical, muy grato.
Ante el éxito de aplausos del público que llenaba la antigua iglesia de San Juan de los Caballeros nos regalaron tres bises, la canción de Rachmaninov “Aguas primaverales”, “Cortadora plumerito” de Guastavino y la habanera de Carmen.
Una cantante llena, pletórica y un pianista sensible y virtuoso que supieron encandilar al respetable. ¿Se puede pedir más?
Enrique Bernardo de Quirós es un pianista con una gran formación, un gran bagaje profesional y que demostró una altura pianística muy grande al encarar la sonata nº2 de Rachmaninov, una obra madura de un compositor que ha dado gran popularidad al teclado romántico en el siglo XX con su segundo concierto, una obra muy divulgada en el disco de los años centrales de la pasada centuria.
Es una obra virtuosística, rica en sonoridades, donde los desenfrenados martilleos de acordes presentan un dramatismo que se sustancia en un clima de serenidad, que a veces se alterna con el clima anterior, dando una atmósfera postromántica muy de su tiempo. El lirismo y el vigor compositivo son patentes y así lo supo trasmitir Enrique Bernardo de Quirós. Las canciones y danzas de la muerte de Mussorgsky abrieron el programa demostrando la perfecta dicción en ruso de Ana Häsler y la compleja atmósfera de la sensibilidad del romanticismo ruso de un compositor cuyo pianismo es tan elaborado como lo dejó demostrado en sus “Cuadros”.
En la segunda parte nos ofrecieron una rápida panorámica de la canción en el panorama hispánico del siglo XX. Se rindió homenaje a Federico García Lorca, en el 75 aniversario de su cruel fusilamiento en Granada, con tres de las canciones populares antiguas: los cuatro muleros, la nana de Sevilla y las tres hojas, mientras que se cantaron dos versiones del mismo texto lorquiano, la cancioncilla, con músicas de Montsalvatge y Bowles. Otra canción de Lorca, la famosa del jinete, se cantó con música de Ortega.
También se cantaron impecables las canciones de García Leóz, con texto de Federico, Por el aire, De Cádiz a Gibraltar y A la flor a la pitiflor con una maestría por parte de Ana Häsler, que parecía que sentíamos ese ambiente marinero de ida y vuelta entre Cádiz y La Habana con aires victorianos de principios del XX.
La interpretación de dos números de la siempre difícil y siempre tan atractiva Iberia de Albéniz nos hizo ver la clase de Bernardo de Quirós.
El final nos traía las cinco canciones negras de Xavier Montsalvatge. Una interpretación de antología, donde la dicción, la musicalidad y el ambiente caribeño de las canciones con letras de Alberti, Néstor Luján, Nicolás Guillén y Valdés nos trasladaron a otro mundo imaginario, sensual y tropical, muy grato.
Ante el éxito de aplausos del público que llenaba la antigua iglesia de San Juan de los Caballeros nos regalaron tres bises, la canción de Rachmaninov “Aguas primaverales”, “Cortadora plumerito” de Guastavino y la habanera de Carmen.
Una cantante llena, pletórica y un pianista sensible y virtuoso que supieron encandilar al respetable. ¿Se puede pedir más?
jueves, 28 de julio de 2011
Imaginaria Ocurrencia
Imaginaria Ocurrencia
Fco. Javier Chaín Revuelta
A pocos kilómetros al Este del Éufrates se encuentra la ciudad de Sanliurfa, la Gloriosa Urfa. Para los bizantinos fue Edesa y para la tradición turca fue Ur, cuna de Abraham, que aquí tiene mezquita. Han pisado su suelo los Eblaitas, el imperio Acadio, Sumeria, Babilonia, los hititas, los hurritas, el reino de Armenia, Mitani, Asiria, Caldea, Media, el imperio persa, el reino de Macedonia, el imperio Seleúcida, los arameos, Osroene, el imperio Sasánida, el Imperio bizantino y los cruzados.
Fue refundada como Edessa por Seleuco I Nicátor, después se llamó Justinópolis. En tiempos más cercanos estuvo en manos de los sultanes de Alepo, los mongoles, los mamelucos, el imperio Otomano y ahora de la nación Turca.
Entre tantos personajes alojados por Sanliurfa estuvo Jacobo Baradeo, jefe de los monofisitas Sirio-Jacobitas, y entre tantos testimonios está uno de los primeros de la cristiandad, el intrigante escrito que habla de un epistolario de Jesucristo con Abgaro V, rey de Edesa.
Los monofisitas – que no son trifisitas - tienen por doctrina que Jesucristo sólo tenía una naturaleza, en lugar de dos –divino y humano. Eutiquio enseñó que en Jesucristo la humanidad fue absorbida por la divinidad: "disuelta como una gota de miel en el mar." Sin embargo, en el Concilio de Calcedonia en 451 se rechazó esta doctrina y se estableció el Credo de Calcedonia, que describe la plena humanidad y la plena divinidad de Cristo, doctrina nestoriana – bifisitas - en que las dos naturalezas de Cristo representan dos personas distintas. No obstante, para el siglo sexto el monofisismo había llegado a una sólida base institucional en tres iglesias: La armenia, la copta y la jacobita, todas aún hoy monofisistas.
Jacobo Baradeo, Obispo monofisita sirio, nació en Tella, hacia fines del siglo V o comienzo del siglo VI, murió en 578. Era el hijo de Teófilo Bar Manu, un sacerdote de Tella, y de ahí que su nombre real era Jacobo bar Teófilo; el sobrenombre Burde'ana, corrompido a Baradeo, fue derivado de la áspera manta para caballo, barda'than “harapo”, que usaba a menudo. Después de recibir una buena educación se convirtió en monje en el monasterio de Pesíltâ, y discípulo de Severo, el jefe de los monofisitas.
Pero la imaginaria ocurrencia es la de Abgar, rey de Edesa, quien sufre de una enfermedad incurable, ha oído la fama del poder y los milagros de Jesús y le escribe: (las cartas, testimonia Eusebio, se encuentran en los archivos de Edesa)
Abgar Ouchama a Jesús, el Buen Doctor Quien ha aparecido en el territorio de Jerusalén, saludos:
He oído de Vos, y de Vuestra sanación; que Vos no usáis medicinas o raíces, sino por Vuestra palabra abrís (los ojos) de los ciegos, hacéis que los paralíticos caminen, limpiáis a los leprosos, hacéis que los sordos oigan; cómo por Vuestra palabra (también) curáis espíritus (enfermos) y aquellos atormentados por demonios lunáticos, y cómo, de nuevo, resucitáis los muertos a la vida. Y, al darme cuenta de las maravillas que Vos hacéis, me he dado cuenta de que (de dos cosas, una): o habéis venido del cielo, o si no, sois el Hijo de Dios, quien hace que sucedan todas éstas cosas. También me doy cuenta de que los judíos murmuran en contra Vuestra, y Os persiguen, que buscan crucificaros y destruiros. Poseo únicamente una pequeña ciudad, pero es bella, y lo suficientemente grande para que nosotros dos vivamos en paz.
Cuando Jesús recibió la carta, en la casa del sumo sacerdote de los judíos, le dijo a Hanán, el secretario:
Id, y decid a vuestro amo, quien os envió a Mí: ‘Feliz seáis, vos que habéis creído en Mí, sin haberme visto, porque está escrito de mí que quienes me vean no creerán en Mí, y que aquellos que no me vean creerán en Mí. En cuanto a lo que habéis escrito, que debería ir a vos, (he aquí, que) todo a lo que fui enviado aquí está terminado, y subo de nuevo a Mi Padre Quien me envió, y cuando haya ascendido a Él os enviaré a uno de Mis discípulos, quien sanará todos vuestros sufrimientos, y (os) dará la salud de nuevo, y convertirá a todos aquellos con vos a la vida eterna. Y vuestra ciudad será bendecida por siempre, y el enemigo nunca prevalecerá sobre ella.
El pasaje crucial en la carta de Jesús, es el que promete a la ciudad de Edesa la victoria sobre todo enemigo. Le dio al pueblo una popularidad que desapareció el día en que cayó en manos de conquistadores. Fue una inesperada conmoción para aquellos que creían en la leyenda; estaban más dispuestos a atribuir la caída de la ciudad a la ira de Dios en contra sus habitantes, que a admitir el fracaso de una protección en la que en ese tiempo se confiaba no menos que en el pasado.
Desde entonces, el hecho al que aludía la correspondencia ha, por mucho tiempo, dejado de tener valor histórico alguno.
El relato imaginario por supuesto no ha quedado ahí, Adai le confiere un detalle al que se puede hacer referencia aquí brevemente. Hanán, quien escribió lo que Jesús le dictó, era archivero en Edesa y pintor del rey Abgar. Se le había encargado pintar un retrato de Jesús, tarea que llevó a cabo, trayendo de regreso consigo una pintura que llegó a ser objeto de veneración general, pero de la que, después de un tiempo, se dijo que había sido pintada por el mismo Jesús. Al igual que la carta, el retrato estaba destinado a ser el núcleo de una legendaria transformación; el “Santo Rostro de Edesa” era principalmente famoso en el mundo bizantino. Este agregado a la leyenda, el retrato de Edesa, forma parte del extremadamente difícil y oscuro tema de la iconografía de Cristo, y de las pinturas de origen milagroso llamadas "αχειροποίητα" (“hechos sin manos”) de las cuales seguro muchas personas las conocen y otros incluso las veneran sin recato…
Nonoalkakuikatl: la recuperación y recreación de sonidos originarios
Nonoalkakuikatl: la recuperación y recreación de sonidos originarios
Por: Nati Rigonni
Zongolica, Ver. 28 Jul. Nonoalkakuikatl o “canto nonoalca”, es un proyecto que se gestó en la sierra de Zongolica, Veracruz, a principios del siglo XXI. A decir de sus integrantes su principal objetivo es la preservación y difusión de la lengua nahuatl, así como la investigación y creación musical a partir de instrumentos como el huehueotl, el teponaztli, las sonajas, las ocarinas, el palo de lluvia y el tambor de agua.
Nonoalkakuikatl, agrupación de espectáculos de corte prehispánico, debutó en el Museo de Arqueología de Córdoba, en mayo del año 2003, teniendo de inmediato una buena recepción entre el público; de entonces a la fecha se ha presentado en diversos foros, entre los cuales destaca el Segundo Foro Nacional de Jóvenes Hablantes de Lenguas Originarias, que se llevó a cabo en El Espinal, Veracruz, en el año 2009.
El grupo está conformado actualmente por José Adán Gálvez Castillo, Oswaldo Gálvez Castillo e Isabel Martínez Nopaltécatl, quienes participan también en un proyecto musical paralelo: “Mikistli”, agrupación de metal que –al igual que otras bandas de rock de la zona centro de Veracruz–, ofrece a sus seguidores letras en nahuatl y fusiona instrumentos eléctricos y prehispánicos.
Entrevistados con motivo de su participación en el programa de los ‘Domingos Culturales en el Merendero Gálvez’ (en la comunidad de Jalapilla, Veracruz), los músicos nahuablantes comentaron que: “En la época prehispánica la música no sólo era empleada en los rituales, también la usaban para dar realce y solemnidad a las celebraciones cívicas o cotidianas. El arte ha acompañado al ser humano en todos los momentos de su vida.” Dijo José Adán.
Oswaldo agregó que: “La música producida en ese entonces se usaba principalmente para la danza, y aquella que contaba con letra enfatizaba lo mismo aspectos mitológicos que hechos coloquiales que le llamaban la atención a sus creadores.”
Las canciones y melodías que Nonoalkakuikatl presenta son originales, enriqueciendo ocasionalmente su espectáculo con danzas prehispánicas o con la narración de cuentos propios de la cultura indígena zongoliqueña. “Quizás por ello el público que más nos sigue son los niños; cuando nos presentamos en algún sitio, ellos son los que están más atentos, son los que más nos preguntan sobre los instrumentos o sobre el origen de los cuentos.” Comentó José Adán.
Algunas de las piezas que presentan en su espectáculo son: Se Yankuik Tonaltzin (Un nuevo Sol), que es el ritual de apertura en el cual se saluda a los cuatro puntos cardinales; Xochiyaoyotl (Guerra Florida), Kuawhtlakah Inihtotilis (Danza de los Caballeros Águila), y El cuento de Mazahwy, narración de la tradición oral nahua, ambientada y musicalizada.
Nonoalkakuikatl anunció que además de su participación en los ‘Domingos Culturales’, en el mes de septiembre ofrecerán un par de conciertos abiertos al público: el primero será también en Jalapilla, en el marco de las fiestas patrias; y el segundo en el Museo de Arte del Estado de Veracruz, en el Foro de Cultura Nahua 2011.
México: ONU advierte sobre violaciones a derechos indígenas
México: ONU advierte sobre violaciones a derechos indígenas
Mujeres indígenas, doblemente discriminadas.
Noticias Aliadas | 27-7-2011 a las 6:21 | 120 lecturas
www.kaosenlared.net/noticia/mexico-onu-advierte-sobre-violaciones-derechos-indigenas
Las mujeres afrontan los niveles más altos de discriminación en México, advirtió Navi Pillay, alta comisionada de las Naciones Unidas para los Derechos Humanos, durante una reciente visita al país, a la vez que invocó al gobierno y a las propias comunidades indígenas a impulsar los derechos de las mujeres.
“Las mujeres indígenas sufren una doble discriminación, como indígenas y como mujeres”, dijo Pillay. “Tal y como las sociedades no indígenas tienen un largo camino que recorrer para lograr la igualdad de género, los pueblos indígenas también necesitan reconocerles a las mujeres un papel más relevante”.
En un comunicado, la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Derechos Humanos (OACNUDH) precisó que la legislación sobre autodeterminación y autonomía, aunque está garantizada por la Constitución junto con el derecho a la infraestructura, varía de estado a estado y, en algunos casos, varían también esos mismos derechos.
“Los pueblos indígenas continúan sufriendo discriminación en todas las esferas de la vida pública”, dijo la OACNUDH. “Muchas personas, especialmente mujeres, siguen recibiendo sentencias arbitrarias o desproporcionadas en tribunales penales. La participación política continúa siendo extremadamente marginal”.
Alrededor del 15% de la población mexicana se identifica como indígena según la OACNUDH, pero en ciertos estados la proporción es mucho más alta. Es el caso de Oaxaca, donde más de la mitad de la población se considera indígena.
En una visita a Oaxaca antes de la llegada de Pillay, la OACNUDH señaló en un informe que los gobiernos federal y estaduales no han cumplido con garantizar el derecho de las comunidades indígenas a la consulta para proyectos industriales y agrícolas a gran escala cerca de sus tierras, tal como lo establece el Convenio 169 sobre Pueblos Indígenas y Tribales de la Organización Internacional del Trabajo (OIT).
“Proyectos como presas hidroeléctricas, minas, carreteras o plantaciones de monocultivo tienen un gran impacto en los territorios de los pueblos indígenas, privándolos de su sustento material y del disfrute de lugares de enorme importancia cultural y espiritual. Por tanto, el desarrollo de proyectos conlleva a menudo graves violaciones a los derechos humanos”, dice el informe titulado “El derecho a la consulta de los pueblos indígenas: La importancia de su implementación en el contexto de los proyectos de desarrollo a gran escala”.
http://www.noticiasaliadas.org/articles.asp?art=6419
Más información:
Jean Vigo. A propósito del anarquismo
Jean Vigo. A propósito del anarquismo
Jean Vigo (1905-1934), uno de los mayores mitos de la historia del cine, y sin duda, uno de los que más lejos llevó su espíritu libertario. Desconocido en estos lares más allá de los círculos...
Pepe Gutiérrez-Álvarez | Para Kaos en la Red | Hoy a las 13:10 | 319 lecturas | 1 comentario
www.kaosenlared.net/noticia/jean-vigo-proposito-anarquismo
Jean Vigo (1905-1934), uno de los mayores mitos de la historia del cine, y sin duda, uno de los que más lejos llevó su espíritu libertario. Desconocido en estos lares más allá de los círculos cinéfilos, su obra se encuentra actualmente editada en DVD, y existe sobre él una importante bibliografía.
Resulta extraordinario que su excepcional prestigio se apoye sobre todo en dos películas que tuvieron una gran influencia en el desarrollo posterior del cine francés:). La conexión anarquista de Jean provenía directamente de su padre, Eugène-Bonaventure de Vigo, periodista y militante de origen catalán según unas fuentes, ítalo-francés según otros. Fue ampliamente conocido en los medios libertarios de su época con el sobrenombre de Miguel Almereyda (anagrama de "y a de la merde"), director del periódico “Le Bonnet Rouge”. Su trayectoria militante se inscribe en el capítulo que Jean Maitron describe como de “dispersión de las tendencias”, y se adscribió especialmente en la Liga Antimilitarista cuya divisa era “Pas un homme, pas un centime pour le militarisme¡”. Almereyda llegó a ser uno de los principales organizadores del Congreso antimilitarista de Amsterdam. Por sí esto no fuera suficiente –en una Francia enferma de patrioterismo como se verá más tarde, en 1914-, su nombre apareció ligado a la tentativa de atentado contra Alfonso XIII a finales de mayo de 1905, tentativa fallida que Carlo Malato atribuyó a Mateo Morral, quien al parecer, por la época frecuentó París según consta en las memorias de Pedro Vallina, Almereyda también sería de los portavoces de la corriente anarquista integrada en el partido socialista sin renunciar a sus criterios propios, lo que llevó una y otra vez a la prisión, y finalmente a un suicidio que no se creyó nadie. El biógrafo de Vigo lo sitúa en una evolución cada vez más reformista en el área de Jean Jaurés (pacifista radical que fue el primer muerto de la “Gran Guerra”), y al decir de Porton, llegó a compartir la actitud “pro-guerra” de otros anarquistas como Kropotkin y Jean Grave. Sin embargo, a Jean lo trataron como a “el hijo del traidor”.
En el retrato cinematográfico que le dedicó un pretensioso Julien Temple, Vigo. Historia de una pasión (Burning Up, Francia-GB-España, 1999), el papel de Almereyda le correspondió al actor sevillano Adolfo Fernández, pero la historia se le escapa. Esta fue una evocación silenciosa ya que esta aparición tiene lugar a través de los sueños de Jean, como un “fantasma que domina su vida”, de una conexión que al parecer de Temple resulta determinante ya que este “Vivió atormentado por el asesinato de su padre. No podía olvidarlo, y su inicio en el cine responde a una inquietud política. Tan sólo en los últimos años, al realizar L´ Atalante, aceptó su pasado y se inspiró en su propio existencia para hacer una película sobre su vida”. ¿Asesinato o suicidio?, todo indica que se trató de un suicidio, eso sí inducido por una situación que acabó resultando insoportable para el veterano anarquista. En la trágica ocasión, se dice que utilizó los cordones de los zapatos que su hijo le había regalado unos días antes…
Reconocido en el mundo del videoclips –autor favorito de los “Rolling Stone”-, Temple ha conocido una errática trayectoria como director de cine. Su debut con Principiantes cosechó pésimas críticas, que todavía empeoraron con la siguiente: Las chicas de la tierra son fáciles. Según contará el mismo, trabajó durante años en el proyecto, y pro sus declaraciones, es evidente que se documentó profusamente. Pero la la película se olvida. La trama está centrada en la historia de “amour fou” entre Jean Vigo (James Frain), y su compañera Lydu Lozinska (Romane Bohringer), la hija de un industrial polaco, a la que conoció en el sanatorio donde ambos estaban ingresados. Ella sufría la enfermedad de Pott, o tuberculosis ósea, de manera que se trata de dos enfermos que vivirán muy poco tiempo. Fue rodada en diversas localizaciones –los Pirineos, Niza y París-, para ofrecer una idea precisa de los trayectos de los enamorados. Los actores hacen un verdadero esfuerzo, y el presupuesto fue holgado. Temple quería rendir homenaje a un cineasta que “realizó sus películas untos con sus amigos, fuera de la industria. No quería ser famoso, sólo quería hacer cine”. Le gustaban las películas de Vigo, “sobre todo por su espíritu y lo que representa ahora, cuando existe una verdadera batalla para salvar el alma del cine. El cine independiente es hoy más importante que nunca., porque más que nunca se ha convertido en la lucha contra la venta en serie de las hamburguesas de Hollywood”. Declaraciones más o menos interesantes que no afectaron el resultado final fue una película banal que no convenció a nadie.
La historia de Vigo es en buena parte, la de un cinéfilo empedernido. Toma parte muy activa del cineclub de Niza, lo que le procuró contacto con experimentadores cinematográficos de todo el mundo. En 1929 se compró una cámara Debrie que probaba por todas partes. Por este tiempo, invitó a Boris Kauffman (hermano de Dziga Vertov) para trabajar con él y realizaron la obra: “Sobre Niza” (À Propos de Nice -1930). En este corto mudo, Kauffman filmaba y Vigo dirigía. Con frecuencia Vigo llevaba a Kauffman a pasear en silla de ruedas con una cámara entre las piernas y tapada por una manta (la silla de ruedas pasaba desapercibida en una ciudad como Niza), calificada por él mismo como "punto de vista documentado", en realidad se trataba de una requisitoria contra la sociedad burguesa. Así eran capaces de filmar a las personas sin que se diesen cuenta, que era lo que ambos buscaban porque eran partidarios de la teoríakino-pravda (cine-verdad), lo que le liga con el cine “bolchevique” más experimental.
Obtiene un contrato para la realización de un cortometraje documental, Taris (1931), pero rehúsa otras proposiciones. Gracias a la amistad del actor René Lefévre, Vigo encuentra un productor “aficionado” pero comprensivo, Jacques-Louis Nounez. Puede así realizar, con presupuestos limitados, Zéro de conduit (1933), muy mal recibid9 e inmediatamente prohibida por la censura, después L’Atalante (1934), también mal acogida por la profesión. Vigo agoniza mientras los distribuidores hacen corregir su película, rebautizada como Le chaland qui passe. Tres cortos y un largometraje, bastaron a Jean Vigo para imponer una visión del mundo de una originalidad sin precedentes y construir una obra rica y cargada con el peso de una vida que se hace. Por primera vez, con Vigo, el cine se eleva a la altura de las otras artes. “Era un cineasta nato”, según Ehhie Faure. Entendamos: un creador que no dominaba su vida y que no podía encontrar su lugar exacto en el mundo más que mediante el cine.
Sus procedimientos se apartan del surrealismo, sus automatismos funcionan para retener únicamente sus más altas miras: la conquista de la surrealidad (“Es verdad que el más allá, todo el más allá está en esta vida?”), la fusión de la realidad y el sueño (“Ese punto del espíritu donde lo real y lo imaginario dejan de ser percibidos contradictoriamente”), la superación de la muerte “(Vivir y dejar de vivir son soluciones imaginarias”), la insurrección permanente contra la sociedad burguesa, la unión inseparable de la idea de amor con la idea de revolución, el amor loco (“La gran promesa que subsiste después de haber sido mantenida”, escribió André Breton), se podría afirmar, sin grandes riesgos, que Vigo es no solamente el primero, sino el más auténtico director surrealista. A propos de Nice (1930), “punto de vista documentado”, “cine de compromiso”, proviene del “cine-ojo” vertoviano. En este mismo estilo, Vigo continúa, entre el júbilo y el sarcasmo, un documentalismo social “para abrirnos los ojos”. Zéro de conduite (1933) fusiona el frescor subjetivo de la mirada de la infancia con las explosiones fantásticas o líricas, del panfleto. Señalemos también que Porton la sitúa en el centro de su trabajo sobre la pedagogía anarquista y el cine. Está finalmente, L’Atalante (1934), esta película sin igual, hace que el sueño y el deseo se abran a la vida real, en un mundo irreductiblemente concreto, carnal, sensual, sin que sea posible encontrar un solo punto de separación. Además, la presencia de Michel simon liga la película con el mejor cine de Renoir y de Carné. En 1933, Vigo inició un proyecto para rodar un largometraje sobre el anarquista Eugene Dieudonné que acababa de editar sus apasionantes memorias. El filme tendría que haberse llamado Evadé du bagre, pero no pudo ser.
Truffaut, que homenajeó a Vigo en su primera y mejor obra, Los 400 golpes –en la que no poca gente encuentra registros anarquistas- , escribió en Las películas de mi vida: “Pasando revista al cine francés de los inicios del sonoro, se da no cuenta de que entre 1930 y 1940 Jean Vigo esta prácticamente sólo sin más compañía que la de Jean Renoir, el humanista, y Abel Gance, el visionario, aunque la importancia de Marcel Panol y de Sacha Guitry ha sido infravalorada por los historiadores del cine. Evidentemente, Vigo está más cerca de Renoir, aunque lo supera en crudeza y también en pasión por la imagen” anotemos que, aparte de diversos documentales franceses, tenemos un film colectivo sobre Jean Vigo, Á propos de Nice, la suite (Francia, 1995) en el que tomaron parte, cineastas como Raoul Ruiz, Costa-Gravas, Catherine Breillat, Abbas Kierostami, o el portugués Manoel de Oliveiras que entrevista a Luce, la hija de Vigo que dirá: “Me gustaría decir algo que siempre me ha preocupado. Encuentro injusto haber sido objeto de prejuicios favorables por ser la hija de Jean Vigo, mientras que Vigo fue objeto de prejuicios desfavorables porque era el hijo de Almereyda, un anarquista muerto en prisión”. Y finalmente: añadamos que el apartado dedicado a Vigo es uno de los más brillantes en el libro de Richard Porton sobre el cine y el anarquismo editado en Gedisa (Barcelona, 2001). Actualmente, el conjunto de su obra es perfectamente asequible en DVD, y deberían ser pasto de buenos cine-forum
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